|创作不是抄袭美，而应是创造美

中国画是中国文化的一部分，凝聚了数千年中国思想、文化、艺术的成分，是中国人审美心理的一种最独特、最合适的表征。中国画创作是一项有目的、有意识、有选择原则与审美价值取向的文化行为。中国画易学难精，是一门需要技术、需要文化，更需要悟性的学问。它不是纯技术的事业，而应该是心灵的事业。但审视当今的中国画创作，有不少画家并不清楚中国画应该画什么。一些低俗、媚俗、审美伦理缺失、艺术内在价值和文化深度匮乏的作品屡见不鲜。在这些作品中，看不到也读不出有何人文品格、人文关怀和文化意义，取而代之的尽是一些图像的堆砌和程式符号的叠加。仅仅停留在描摹自然美、表象美的作品毫无价值可言，这样的创作已经不是真正意义上的艺术创造。消解了艺术的人文精神和审美价值，把高雅的中国画艺术降低到表象化、形式化、肤浅化、庸俗化的创作取向，已成为当今中国画坛的一大弊病。确立审美理念是艺术创造的第一步。特别是对于中国画来说，能否把握“自然美”与“艺术美”之间的区别，如何从“自然美”走向“艺术美” ，是中国画创作必须首先解决的问题。
【|创作不是抄袭美，而应是创造美】一、描摹自然美成为当下中国画创作的主流
爱美之心人皆有之，关键是以怎样的角度去发现美、表现美、创造美。审美是一个广阔的领域，每个人都能够以不同的角度去审视它、描述它、界定它。是追求发现自然美、描摹自然美，还是去追求表现对象的精神美、内在美，这是两种完全不同的审美路径，其导致的艺术价值有着天壤之别。
我们生活在这个大千世界里，脚下的大地山川是美的，头上的云天星辰是美的。特别是我们的国家地大物博，幅员辽阔，可谓中华大地无山不美，无水不秀。黄山有秀丽神奇之美，桂林有山清水秀之美，华山有雄奇险峻之美，九寨沟有灵动多彩之美。而西北的新疆、西南的西藏又与他处截然不同，显现的是一种阳刚、广阔、神秘的美。在各地不同的自然环境下生长的花鸟、鱼虫、畜兽、树木、蔬果等，也各具独特的形态和生命活力。大自然的鬼斧神工往往能让多情的人们流连忘返、触景生情。普通民众拿着照相机随意地拍下来，或拿个画笔如实地描摹下来，画面都是很美的，都能引起观赏者的好感，而且通常是画得越逼真，越能获得赞赏。应该说，对这种自然美、物象美的审美天性，我们每一个人都是与生俱来的。人的外表漂不漂亮，景物美不美，连三四岁的小孩也能看得出来，并不需要有多高的文化修养和艺术修养。但是艺术家应该是有创造性的观赏者，他们应该以独特的方式把握自然美。中国画不是为了描绘景物而描绘景物，也不是照抄自然，而是画家将自己的生活遭际、思想情感与自然景物建立某种联系而给予的强化表现。它既重视真，要求形似，又要“不似之似” ，更非常注意美与善的观念表达，主张通过创作影响观者的志趣、情操与精神生活，表达作者的内在思想与精神追求。因此，中国画集中体现了中国人与作为审美客体的自然万物的审美关系，具有强烈的抒情性——通过抒写作者的思想感情，体现时代精神，间接反映社会生活，从而实现艺术作为人类精神产品的审美价值与社会意义。
而近年的中国画创作已与大众化审美情趣、审美角度没有多少区别了。特别是以经济利益为目标追求的状况下，大众化、通俗化、世俗化、娱乐化，表现自然美、表象美的肤浅风气正契合了市场的需求，导致了急功近利的快餐式文化，及缺乏思想深度与人文品格的审美取向充斥画坛。一些初入门者只知绘画画技术，而缺乏文化、缺少思想，对审美认知浅薄，对如何去发现美、创造美亦摸不着头脑，以为创作只要能磨功夫、磨时间，如实再现自然之美，就会吸引人的关注。一些青年画家为了能入选大展，从而成名得利，多在艺术形式、技巧上下功夫，却很少注重艺术的文化性、精神性、思想性。而在现实评判中，画得满、画得像、画得比照片还要逼真的作品，往往更容易得奖，受到关注。这也促成画家花几个月甚至几年打磨一幅作品的现象蔚然成风。更可悲的是，很多画家、评论家还在这些没有什么精神内涵、缺乏内在美的作品前大谈雅俗共赏。可以说，急功近利的目标追求、通俗浅显的审美、表象性快餐文化和流行性艺术，正在年轻一代中毫无节制地成长起来，逐渐消解着传统文化的思想深刻性。当下中国画坛审美意识的整体下滑，已发展成为一种一时难以改变的趋势，影响了中国画创作发展的正确方向，其危害不可谓不大矣。分页标题
艺术是一项具有严肃、崇高意义的人类思想文化现象。它虽然以感性形式出现，但体现的是人类的思想、精神与道德意识。中国画不应以客观物象的再现和肤浅庸俗的纯形式出现，而应是富有崇高精神价值、具有深沉人生意义和深刻思想内涵的一门艺术。因而真正的中国画作品不是自然美、表象美的再现，而应是一种人文精神、思想观念的表达。自然表象美和艺术内在美是有区别的。脱离了人文精神的纯形式美的艺术，即使画得比照相还逼真，从艺术的高度看，仍是没有多少价值与意义的。
二、绘画不是抄袭美，而应是创造美
中华民族是一个极其热爱生活的民族，生命活力是中国艺术精神最核心的内容。以生命的眼光看世界，把包括从自然到艺术在内的一切事物都看作活生生的生命体，这是中国人的哲学观，也是中国人的艺术观。也就是说，艺术不能没有美，也不能没有生命活力，更不能没有个性。一个没有人情味的画家不能算是艺术家，一件没有人情味的作品也算不上是艺术品。
自然景观作为大自然的一部分而客观存在。它能成为审美性的景观，是由于审美主体根据一定的观念或经验进行有意识地观照、选择和组织的结果。由于对自然景观欣赏的主观出发点不同，便会形成不同的欣赏侧重和表达方式。因而审美不仅是认识和体验，更是一种人格状态和生命状态。作为一个画家，发现美、表现美根本上是为了人自身，为了开创人类生存的自由心灵空间。审美首先是一种情感的创造性表现与升华，表达的是个体的生存感受。如果没有情感的创造性表现与升华，审美对象便没有意义，审美观照亦没有意义。把审美当作人的一种生存状态、一种崭新的人生境界，这是中国美学的一大特点。中国画正是画家借助艺术和自然景观来达到画家生命的完满和精神的自由。它的根本意义不在于把一些表象加以拼凑结合，而在于实现由物质世界向精神世界、由现实世界向理想世界的创造性转化和飞跃。这是我们认识自然美与艺术美的第一步。
由自然美上升到艺术美，需要独特的审美想象力，把知觉形式提升灌注精神活力而成审美意象，使它成为一种自由而有序的心境。所以审美想象力是一种“化景物为情思”“化实为虚”的能力。这里的“景物”“实”是物质世界， “情思”“虚”是精神世界。审美想象力以前者为本源，又改造和超越了它，以达到后者。而审美想象力所创造出的新形象，源于物象又超越了物象，更可贵的是，它创造了一个超越自然世界的个性化的审美意象，创造了一种合乎审美需求的心理时空，使心灵达到自由畅达的状态。
中国画强调诗画意境。这是一种主客默契、心物交融，自然中有我、我中有自然的高超境界。中国诗词讲究“情景合一” ，中国画讲究“天人合一” 。“天人合一”是中国人的哲学观， “情景合一”是中国人的艺术观。画家体认宇宙自然中的一草、一木、一石、一水、一云，都充盈着自然的精神、生命的律动。天地是一个有情的天地，可以缘物寄情、托物言志。花鸟、人物、山水画，无不遵循着这一艺术规律。
如元末画家王冕的《墨梅图》，墨梅与咏梅诗“我家洗砚池头树，朵朵花开淡墨痕。不要人夸好颜色，只留清气满乾坤”交相辉映。画家画梅不重在描绘梅花的特征、色彩的漂亮，而是表现梅花的神韵——清气，也画出了自己的精神世界——独立不群的气质和人格。
当代已故人物画家李伯安的《走出巴颜喀拉》，不仅刻画出了青藏高原藏牧民的生动形象，更突出地将这个民族对天地神灵、对宗教无比虔诚的心灵世界表达了出来。画家为创作倾尽心血，最终倒在未全部完成的作品前。可以说，他不光创作出了旷世杰作，也把自己对艺术的虔诚与追求融入到了作品之中。
以我的“云法造境”创作和创新思考为例，我立足黄山之巅九年，对传统山水画中被淡化、被忽视的大自然云彩深入观察体悟，把云彩作为创作的主要元素和艺术创新的突破口，开创了“云法造境”新课题、新样式。以“云法造境”构建的“云海山水画”和“时空水墨画”两个系列，也不是去照搬照抄，画自然中的云彩；而是以云彩美为基础，通过审美想象，对其加以提炼、强化、提高，融自然与心境为一体，表现自己对中国传统文化，对自然、对社会、对人生、对艺术的感悟与思考，重在开拓一种人文精神境界。分页标题
中国美学历来强调，艺术的价值不仅在于表现真，更在于传达美与善，它直接关联到人格的完整和谐与生存幸福。艺术创作与欣赏可以把审美的心灵自由扩大到人的现实自由。在艺术天地中，自我的人格既与自然的精神交融同化、物我相忘，幻化为飞鸟、流云、崇山、狂涛，也可以体到自然的精神，感受广袤、永恒的博大境界。艺术之所以能超越时间与空间的限制，就是因为其可以使生命从现实的局限中解放出来，从而得到自由与安慰。
艺术停留在说明世界阶段，是最低层次的。更高层次的是从对人生命运的沉思冥想中、对未来的憧憬中，肯定人的精神本真。作为一个真正的国画家，必须知道这个“家”字的分量。其审美角度、审美情趣应该与普通大众有所不同。中国画创作不能将描绘自然表象美看作是艺术的最高追求，而应把自然美作为创作的基础和超越的起点。一个有作为、有创造性的画家，必须要有自己的思想、自己的艺术观、自己的审美角度以及与别人不同的表现方法。只有这样，才能创造出具有个人特色、时代特色的艺术作品。这才是一位真正有创造性的艺术家所必须具备的基本能力与特质。
（发表于《中国书画报》2018年3月14日总第2761期）

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