零基础如何写歌作曲，从零开始学作曲编曲的步骤技巧( 二 ) _知识分享

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二、旋律写作
在掌握了读谱、记谱之后，就可以开始练习旋律写作了。以往只能哼唱出旋律的人现在则需要把那些旋律记录下来。单旋律练习主要有两种：歌曲旋律和器乐曲旋律。你可以为一段歌词配曲，也可以凭空想象一首曲调。初学者只需要写一个完整的段落即可，没必要构思更大的结构。
初学者需要锻炼的是旋律的流畅、悦耳与完整，一般来说从对称、方整的结构开始（也就是所谓“4+4”、“8+8”）——旋律由长度相等的两句话或四句话组成，其中每句话又由2小节或4小节组成。旋律的每一句话都要听起来顺耳，特别是每一句话结束的落音需要听起来舒服（落音就像诗歌的韵脚一样重要），旋律的结尾要能稳定地停下来。
练习的时候要有意识地在局部上或布局上去模仿任何自己能够模仿的歌曲、乐曲，初学者不用担心“抄袭”的问题，如果实在有哪个片段和别的作品太相似了就设法改一些音让它们不那么相似。形成自我的风格是作曲技法相当成熟之后才需要考虑的问题，入门阶段模仿是最好的学习方法。但模仿不等于放弃自己的想象力，相反，模仿写作必须加入自己的创意，要在模仿对象的基础上别出心裁，否则就真成了毫无意义的“抄袭” 。

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如果写出来的旋律自己唱了都觉得不好听，那一定要修改到好听为止。不要吝啬演唱自己的作品，要反复唱、反复品味，也许刚写完觉得很好听，第二天又觉得难听了。自己觉得好听也未必真没有问题，还需要多给别人听，特别是给专业的老师、同学听，让他们挑毛病，然后去努力体会、修改。哪怕一个音、一个节拍的改动也可以使一段旋律变得优美或拙劣，可以令其风格迥异——正是在这种细节的磨练中，才能诞生真正的艺术。
练习的过程中要有意识地去建立旋律的“线条”这一概念。旋律的上行、下行、徘徊、跳跃、起伏、停滞……在谱面上和听觉上都会形成线条轮廓。旋律的线条与旋律是否动听有复杂而深刻的关系，特别是在揭示旋律的结构时，线条这种有画面感的概念会让抽象的结构变得清晰易懂。例如一段旋律的前半部分倘若总是在几个音之间徘徊，它的后半部分就需要一次起伏来满足期待感；一段多次起伏的旋律需要在后期形成一个顶峰作为高潮……不过并非所有旋律都依靠线条上的美感来取胜，譬如有时候旋律主要以节奏来引人入胜，这时线条就可以非常简单。
在和声学习到相当程度之前写作旋律时不必考虑其和弦如何配置，只需要考虑旋律的轮廓、调式、调性、风格等问题。当和声水平足够高，不会对旋律写作造成束缚时就没必要再练习单旋律，而需要直接构思多声部音乐了。当然，那已经不是初学者的问题。

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三、和声
如今几乎所有音乐都是多声部音乐，只想出一段单旋律就能创作完整音乐作品的时代早已一去不复返。因此一定的和声知识无疑是作曲入门的必修课。
和声学是研究如何写作、分析多声部音乐的学科，我们这里说的和声学指狭义的传统和声学，或说“经典”和声学，其内容主要总结自古典音乐大师们的创作，并广泛存在于流行歌曲、影视配乐等当今的各种音乐领域中。此外还有很多别的和声知识，例如爵士乐和声、无调性和声等，这些“专题”学科都建立在传统和声之上，所以初学者暂时不必关注。
与旋律写作一样，在掌握了基本乐理之后就可以开始和声学习。中国音乐学院内流行的“斯波索宾和声教材”并不值得参考，除非你打算报考音乐学院作曲专业。这本教材过于机械、教条，几乎完全是一本应试教材而非艺术教材，书中的概念、术语有的已经过时或脱离国际主流习惯，不利于学术上进一步深造。包括这本书在内的大多数和声读物都是针对古典音乐作曲的，其复杂程度超过了很多业余爱好者或自学者的需求，因此不一定要采用。如果压根不打算学习古典音乐作曲，那么选择一本通俗音乐和声教材即可。即使专门学习古典音乐的和声，如果不是为了应付国内考试的话，也有远比“斯波索宾”教材更好的选择，例如库斯特卡和声学、勋伯格和声学、辟斯顿和声学等。
初学者首先需要学习所有常用的和弦。古典音乐理论用调内级别来标识和弦，流行音乐理论则用实际音高，二者只不过视角不同，本质上没有区别，选择哪一种都可以，最好两种都能掌握。