中国画用色有什么讲究 _国画同好会

中国古代的绘画亦称“丹青”，说明绘画古来无不着色。因此，在中国画在漫长的成长过程中，经过继承、发展和创新，已形成了其独特的表现形式和强烈鲜明的色彩艺术风格，是东方色彩美学的典型代表。
而且，中国绘画中的色彩，人文内涵十分丰富，是一种自成体系的色彩学系统，有其博大的人文内涵和深厚的文化底蕴。

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中国画最早采用的表现形式是色彩和线条，早在新石器时代，彩陶就采用了这两类形式。仰韶文化的人面鱼纹彩陶盆、三鱼纹彩陶盆和马家窑文化的旋涡纹彩陶瓮、舞蹈纹彩陶盆上面绘制的鱼、蛙、鹿、鸟、舞乐、人面以及各类纹饰，就是在橙红色的陶坯上，用黑、白和天然矿精颜料赭石等色彩进行描绘。古朴的色彩，豪迈的纹样，大小不一的点线面的装饰美，显现了色彩与线条相辅相成关系的雏形。
可见，中国绘画历来都十分讲究色彩的运用。所以，在中国古代绘画中，“色”是被当作纯粹的视觉对象而产生的。如老子对“素”“玄”两种色相的高度重视，所谓“见素抱朴”和“玄之又玄，众妙之门”，孟子的“目之色有同美焉”等，都体现了对“色”的一种哲学体认。
南齐谢赫在《古画品录》中将“随类赋彩”作为“六法”之一。《文心雕龙?物色》：“写气图貌，既随物以宛转。”汉王延寿《鲁灵光殿赋》：“随色象类，曲得其情。”随色象类，可以解作色彩与所画的物象相似。

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这种以物象的种类不同赋予不同色的理论，是中国画用色的基础。然而中国画用色之妙，恰在于直追心意、用心着色，给欣赏者以强烈的感染，调动其想象，触及其心灵。或可说在于画者凭借其丰富的想象和直觉的冲动，凭借心灵的感受，用心创造出“色有尽而意无穷”的境界。
在中国画艺术创作活动中，用色直觉不依赖严密的理性思考，不凭借先前的经验，不靠明晰的逻辑推理，而是客观自然的直接感受和直接把握。忌讳的是自然主义设色，还有死搬前人的设色。色浮在纸面上，淹没了要传达的感受，让观者的思维紧紧扣在实物上，可谓形而下也。令观者思想奔腾不起来，十之八九无象有形，都停滞在形色的迷漫之中。
这种对“色”的认识运用，完全不同于西方的“结构色”，而是通过固有色彩与理想色彩结合成多样的符合中国人审美情结的色彩，它们在色彩自身的关系中不断生发并构成一个自足的表现空间和审美空间。

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“画者文之极也”，画画就画修养，意思是指要有扎实的绘画基础，还要有广博的文学艺术知识、学术理论的积累和传统文化的深厚积淀，以体现其人文精神和文化价值追求。要想创作出内涵丰富的作品亦是如此。我们需要有扎实的绘画技巧能力、审美鉴赏能力、广博的知识，并从生活中吸取养分。这样才能对我们创作予以精神的支撑。
文人画兴起后，提倡“意足不求颜色似” 。黄宾虹云：唐以前画家，已不斤斤于形似，而以画外有情为高。画家以情眼看世界的方式，笔墨随意挥洒皆在情理之中。因此，中国画设色常具有画家的主观色彩，甚至抛描绘对象本身的颜色。比如用焦墨画嘴唇，这墨色就像红的。用焦墨画葡萄这墨色就是紫的。再比如竹子，本来是绿色的，而传统的墨竹，却是墨色。苏东坡甚至用朱砂画竹，称为朱竹。人们只欣赏他的朱竹，只觉得他画的竹子风韵潇洒，闲情逸致，极具艺术魅力，谁还去计较它的色彩是墨是红呢？这种设色完全是画家感情的倾泻，具有强烈的感染力。观者要的不是概念，而是赋予画品以深刻的内涵，追求的是一种通过心灵之桥达到的意境，玩的是创意，比的是充分表现这个创意的笔墨色彩。

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【中国画用色有什么讲究】苏东坡曾说过“分科而医，医之衰也。占色而画，画之陋也” 。将人体作为一个系统进行综合和辩证治理，这是中国中医的优势所在。而以中国画为代表的东方艺术也非常注重绘画设色综合运用和艺术表达，不可以色障目而忘却心绪等其它方面。
因此，中国艺术的高价值不是以模拟物象而为终目的，色彩艺术也是这样，它是通过“写意”以“参赞造化”，而形成独特的审美意识及独特的色彩观。